然而，当我们看展览时，我们不禁会问:我们应该如何欣赏这些山水画？除了感觉好，似乎什么都不能说。所以，今天我们就来说说如何顺着这个问题，来聊聊如何欣赏中国山水画。

1. 山水画的文化背景

中国的山水画并非只是简单地描绘自然风光，它更是画家精神和情感的表达，也是他们生活态度的反映。山水画的产生与中国道家的思想息息相关。道家思想追求自然无为、天人合一的精神境界，强调简约自然、简约宁静的艺术精神。因此，山水画主要表现为水墨画，辅以色彩。

2. 山水画的意境

山水画所创造的意境，不仅仅是美丽的山水风景，更是画家追求理想境界的体现。它超越了乏味和庸俗的社会，成为一种精神的居所。

山水画所描绘的景致，为人们提供了一个既宜观赏又适于游玩、居住的场所。无论是北宗山水还是南宗山水，其所蕴含的意境和功能皆是如此。有时仙境般的空灵神奇，有时则是宁静恬淡、农民渔夫在桥上悠闲居住的乡村隐境。

文人山水画展现了生活在山林中的情趣和简单自然的水墨风光；宫廷画家的边界画展现了建筑、宫殿和世界的繁荣，也是超越世界的天堂。不同的人可以找到自己的精神住所。这也是画家和观众之间的精神交流。

山水画的境界给人的是可观、可行、可游、可居的神游场所，不论是北宗山水还是南宗山水，所表现的意境与功能无不如此。或是仙境一般的缥缈神奇，或是悠闲农夫渔樵的隐居之所。

文人山水画多表现的是逸居山林的情趣、素朴自然的水墨风光；宫廷画家的界画多表现楼宇宫殿和人间的繁华，也是超脱于人间的世外桃源。不同的人都可以找到自己的心灵居所。这也是画家与观者的心灵沟通。

3. 山水画的章法

章法是指绘画画面的布局，也就是构图的方法。在中国画中，强调立意确定景物的位置，离远处就取其气势，近处就取其质感，并且巧妙地运用空白的部分，使整个画面不管有没有涂色都是一种美妙的境界。

中国画有着“细细看，面面观，看得透，窥其穿”的要求，即能从山前看到山后，从山下看到山上，从房内看到房外，这种要求是为了满足“饱览卧游”的需要，使咫尺千里的美景尽在眼前。

山水画的构图方法在长期的实践中形成了“三远法”，即郭熙所谓的平远、高远、深远。高远的颜色清晰，深远的颜色晦涩难懂，平远的颜色明亮晦涩。

山水画的透视方法也不同于西方绘画的定点透视方法，而是没有焦点的无点透视方法，但是山水画的视点转移方法正好可以满足中国人欣赏山水画的需求。

4. 山水画的笔墨

中国画笔墨是重要的审美元素之一，笔墨自然融入绘画中。一幅好的绘画不仅主题、内容、类型、构图等都很好，而且笔墨的努力也非常重要。

笔墨的问题一直被讨论得更多。用笔注意点、钩、纹理、擦法和笔的严重程度、缓慢、偏正、直、侧笔、圆笔、中锋、偏锋、逆锋等。用墨注意淡墨、浓墨、泼墨、积墨、焦墨、破墨、飞墨，还有“五墨”、“六彩”理论。

笔墨的变化不仅仅是为了满足不同绘画的需求，同时也是画家修养和绘画风格的表现。最高境界应该是心手合一，笔墨自然流畅。欣赏山水画时需要一定的专业知识，这也是书画鉴赏的重要方面。

5. 山水画的设色

中国画又称丹青，可见色彩在中国画中得到了广泛的应用。比如新石器时代的彩陶、早期的墓壁画、敦煌的壁画、李将军的绿色景观、黄泉父子的花鸟，都是鲜艳耀眼的，重色而不重墨。

随着道教思想的深入影响，人们对于简单自然的追求也逐渐体现于色彩和墨水的运用上。其中，山水画蕴含了道教思想的最佳体现，因此墨水逐渐成为主流而取代了色彩，尤其是在文人画中，色彩的应用也渐渐变得不常见。

山水画的设色是“随类赋彩”、“以色貌色”强调对象的固有颜色，但对自然的描述并不是很客观，主观赋色的情况很多，比如金碧山水和绿色山水。浅江景观的色彩设计也有一定的主观性。

可见山水画的设色是很慎重的，好的设色能更好地体现画面效果，但更多的还是在墨色上来体现。

6. 山水画的诗、书、题款及印章

诗与画是两种不同的艺术，但结合的好，就可以相得益彰。这种结合既有表面的结合，又有内在的结合。表面的结合体现在，“依诗作画”和“为画题诗”上；内在的结合，则体现在诗画意境上的结合。

书法与绘画的关系就更为密切了，自古就有“书画同源”的说法。一幅画的题诗，题字与落款的好坏，也绝好地体现了书法与绘画的关系。题得好，就有画龙点睛之妙；题得不好，免不了有佛头着粪的缺点。

落款的形式多种多样，也是画面的一个重要组成部分，既可以抒发情感，又可以增加山水画的形式美感。印章也和题跋一样，是书画不可或缺的一部分，好的印章能为画面添色不少。